J​.​S​.​Bach Piano Concertos Nos. 1, 3 & 7 with String Quartet

by Vesko Stambolov

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Bob Spector
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Bob Spector Bach's Concerto No. 1, S. 1052, is said to be the very first keyboard concerto. If that's true, it's one of the few things that humans got right on the first go. Pianist Stambolov gives us ringing, I could say joyful renditions of three concerti. These pieces were clearly written for what we'd now call a chamber orchestra, but Stambolov with just violinists Radionov & Valova. violist Ivanova, and 'cellist
Christov produce a satisfyingly full sound. Favorite track: CONCERTO No.1, BWV1052 in D Minor / Allegro.
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    Vesko Stambolov piano
    Yosif Radionov violin
    Zefira Valova violin
    Petya Ivanova viola
    Christo Christov cello

    about / liner notes(english, german) / credits

    about
    Vesko Stambolov is one of the leading Bulgarian pianists. A winner of numerous international prizes, this meta records release marks his entry into the international CD market.

    What the critics say:
    CD of the months May/June 2004 - Piano News Germany

    liner notes
    The piano concertos by J.S.BACH
    The genesis of the first ever piano concertos - those of J.S.Bach - may seem somewhat entangled. But it does less so when one considers the customary compositional practice in this epoch, of copying and re-setting music – both one’s own and that of others – for the musical needs of the day. Young Bach did not make an exception. His curiosity about foreign compositional schools (the Italian and French above all) made up for the fact that he never travelled beyond the borders of Germany. Evidence of his interest are -among other transcriptions- sixteen, mainly violin, concertos reset in Weimar (1708-1717) by Bach for solo clavier on originals by Vivaldi, Marcello, Telemann, etc.
    Originated in Italy, the concerto for solo instrument and orchestra at that time was a new and modern genre in Germany. Although Bach made this transcriptions for his own entertainment rather than as practical exercises, they -especially those of Vivaldi- have served as an example of the overall structure (three-movement cycle - fast first and last movements surround the central slow one), the rondo pattern of the movements (the main theme -ritornello- presented by the orchestral tutti appears in different keys, alternating with developing episodes assigned to the soloist), the sparkling and melodious violin style and the principle of the so-called "concerted playing" - a sort of competition between the soloist and the orchestra.
    With this experience Bach himself turned to the concerto form for the first time in Köthen (1718-1723), where he had been appointed Kapellmeister and director of chamber music at the court of count Leopold. Since the Calvinist musical ritual in Köthen was limited to hymns without instrumental accompaniment, Bach was free to concentrate on works for solo instruments, chamber music and concertos. About nineteen concertos for one, two, three and even four soloists and small orchestra have been handed down from this period. Originally written for violin, it was probably Bach himself who, being a brilliant violinist, gave their first performance. Of these originals only the concerto for two violins in D minor and the two concertos for solo violin - No.1, BWV 1041 in A minor and No.2, BWV 1042 in E major, have been handed down authentically. The latter two are on the present CD in their version for clavier respectively No.7, BWV 1058 in G minor and No.3, BWV 1054 in D major.
    It is in the fifth Brandenburg Concerto (also written in Köthen) where, in the virtuoso 65-bar Cadenza, the cembalo becomes emancipated and turns from a mere accompanying into a full-right bright concert instrument.
    Later in Leipzig (from 1723 until his death in 1750), holding the post of cantor at the St.Thomas church, Bach accepted the directorship of the "Collegium musicum" - a concert society created at the beginning of the 18th century by G.F.Telemann. Formed by musically gifted students at the Leipzig University, this orchestra played a significant role in the musical life of the town by regularly giving public concerts at Zimmerman's coffee house and garden – a new practice at that time. Bach must have experienced a lot of creative freedom and enjoyment with this enthusiastic young people, in contrast to his rather unmusical and uninterested students at the Thomasschule. Judging from old engravings we may well imagine the following picture: Bach, sitting by the cembalo, conducts the youth orchestra; the visitors of Zimmerman's, probably without their wives, sit by the tables sipping their coffee or drinking wine. They smoke their long pipes and listen to the music.........The programme of such a concert might have been: an overture (or an orchestral suite), afterwards a concerto with Bach as a soloist (or various arias); after a pause - a secular cantata.
    Responding to the constant need for new repertoire for these public concerts, Bach set his own violin concertos for cembalo. The violin handwriting is obvious in all seven concertos, and comparing the two remained violin originals to their cembalo "translations", we find only insignificant alterations in the solo part together with an additional independant left-hand part. (Today by way of "reverse" transcriptions of these concertos it is tried to re-create the original sonority of the violin originals).
    Although Bach's orchestral music abounds in colourful inventiveness, we are inclined to think that for Bach line itself is more important than the timbre of the instrument that plays it. Or as the high priest of Bach, A. Schweitzer, put it: "...All of Bach's works have been created for an ideal instrument, with the possibilities for polyphonic playing of the keyboard instruments combined with the expressive power of the strings."
    Bach's concertos belong equally to the light and the serious genre. There is a variety of states reflected in them - dramatic, lyric, meditative, at times playful and jocular. Their music gladdens the spirit but also elevates it and makes us fall into a deep contemplation.
    The CONCERTO No.3, BWV 1054 in D Major fascinates us from the very beginning with its festive atmosphere. The first movement is in da cappo form. The middle section brings a dramatic contrast with its minor key, intensified linearity and constant modulations leading to the pathetic recitative of the solo. Adagio e sempre piano belongs to the most moving pages of all Bach's music. As in the other slow movements of the concertos presented on this CD, the principle of basso ostinato is employed here. The soloist’s sorrowful monologue flowing above it reminds of the dramatic arias from the Passions. "This Adagio is so beautiful -wrote Claude Debussy- that you even don't know how to stand properly to perceive it with dignity, and when you leave the concert you wonder why sky has not become bluer and the Parthenon has not risen before you out of the ground". The Finale is a vivacious menuetto in a form of simple rondo with four couplets. Here the violin nature of the solo part is more than evident.
    The finale of the CONCERTO No.7, BWV 1058 in G Minor is also a dance, this time a gigue. Particularly gripping in this dramatic work is the Andante - the sublime aria floats over the ostinato bass that reminds us of the idea of Destiny.
    When we talk about the most pianistic of all - the CONCERTO No.1, BWV1052 in D Minor - we have to recall that until Beethoven's era D minor was considered the key best suitable for expressing deep and sharp dramatism. Some works in D minor by Bach that are remarkable for their scale and emotional tension can be mentioned here: the Chromatic Fantasy and fugue for cembalo, the violin Ciaconna, and of course the organ Toccata e fuga written in Weimar. By the way, according to new hypotheses the D minor cembalo concerto is rooted in a violin original written also during Bach’s Weimar period - judging from its large scale, virtuoso brilliance, improvisational freedom and boldness of the harmonic language. Here, still a little obscurely, appear the grains of the classical sonata dramaturgy - in the first movement we can observe the classical "two-theme pattern" and tonal plan. Striking in this passionately dramatic work is the powerful outburst of emotions - in the Cadenzas of the solo at the end of the first and the last movements. And especially the slowly unfolding Adagio where the expression of the cantilena, innerly meditative at the beginning, bursts into ecstatic declamation to finally submerge in the mourning unison of the tutti.
    SULAMITA GOLDBERG


    liner notes (german)
    Die Klavierkonzerte von J.S.BACH
    Um die etwas verworrene Entstehungsgeschichte der von J.S. Bach geschaffenen, ersten Klavier-konzerte der Musikgeschichte zu erhellen, muss man sie im Lichte der damals üblichen kompositorischen Praxis betrachten. Zur ihr gehörte es auch, fremde und eigene Kompositionen für den musikalischen “Tagesbedarf” zu kopieren und zu transkribieren. Der junge Bach bildete hierin keine Ausnahme. Obwohl er Zeit seines Lebens Deutschland nie verließ, rezipierte Bach umso intensiver die Werke ausländischer (vorrangig italienischer und französischer) Kompositions-schulen. Beleg hierfür sind unter anderem die von Bach in seiner Weimarer Zeit (1708 - 1717) geschaffenen Transkriptionen für Klavier solo von sechzehn Konzerten - hauptsächlich für Violine - von Vivaldi, Marcello, Telemann, etc.
    Das in Italien entstandene Konzert für Soloinstrument und Orchester war zur damaligen Zeit ein neues Genre in Deutschland. Obwohl Bach diese Transkriptionen eher zum eigenen Vergnügen als zu Übungszwecken anfertigte, dienten sie - und dabei hauptsächlich die Vivaldi’schen - als Vorbild für die Gesamtstruktur (dreisätziger Aufbau - schnelle erste und letzte Sätze sind um einen langsamen Mittelsatz gruppiert), die Rondoform der einzelnen Sätze (das vom ganzen Orchester vorgetragene Hauptthema -ritornello- erscheint in verschiedenen Tonarten, im Wechsel mit episodischen Zwischenspielen des Solisten), den funkelnden und melodiösen Violinstil und das Prinzip des sogenannten "Konzertierens" - eine Art von Wettstreit zwischen dem Solisten und dem Orchester.
    Vor diesem Hintergrund wandte sich Bach der Konzertform erstmals während seiner Zeit (1718 - 1723) in Köthen zu, wo er die Stellung des Kapellmeisters und Kammermusikdirektors am Hofe des Grafen Leopold bekleidete. Da der kirchliche Ritus im calvinistischen Köthen lediglich Gesang ohne Instrumentalbegleitung erlaubte, konnte sich Bach auf das Komponieren von Werken für Soloinstrumente, sowie von Kammermusik und Konzerten konzentrieren. An die 19 Konzerte für einen, zwei, drei und sogar vier Solisten und kleines Orchester sind aus dieser Zeit erhalten. Die Konzerte waren ursprünglich für Violine geschrieben, und es ist sehr wahrscheinlich, dass Bach, der ein brillianter Geiger war, sie persönlich zur Erstaufführung brachte. In der Originalfassung erhalten sind lediglich das Konzert für zwei Violinen in D-Moll und die zwei Konzerte für Violine solo - Nr.1, BWV 1041 in A-Moll und Nr.2, BWV 1042 in E-Dur. Die beiden letzteren wurden in ihrer Klavierfassung - als Nr.7, BWV 1058 in G-Moll und Nr.3, BWV 1054 in D-Dur - für die vorliegende CD eingespielt.
    Im ebenfalls in Köthen entstandenen Fünften Brandenburgischen Konzert löst das Cembalo sich in der virtuosen 65-taktigen Kadenz aus der Begleiterrolle und tritt als eigenständiges Konzert-instrument in den Vordergrund.
    Später in Leipzig, wo er von 1723 bis zu seinem Tode 1750 als Kantor der Thomas-Kirche wirkte, übernahm Bach die Leitung des "Collegium musicum" - einer von G.F. Telemann zu Beginn des 18. Jahrhunderts gegründeten Konzertgesellschaft. Dieses aus Studenten der Leipziger Universität bestehende Laienorchester spielte eine wichtige Rolle im Musikleben der Stadt, und gab - eine Neuheit für die damalige Zeit - regelmäßig öffentliche Konzerte im Kaffeehaus Zimmerman. Die Arbeit mit diesen begeisterten jungen Musikern muss für Bach eine enorm inspirierende und angenehme Abwechslung zu den eher unmusikalischen und desinteressierten Schülern der Thomasschule gewesen sein. Anhand alter Stiche können wir uns etwa folgendes Bild von diesen öffentlichen Konzerten machen: Bach dirigiert, am Cembalo sitzend, das Orchester; die Gäste des Kaffeehauses sitzen, wahrscheinlich ohne ihre Gattinnen, Kaffee oder Wein trinkend an den Tischen. Dabei rauchen sie ihre langen Pfeifen und lauschen der Musik..... Der Programmablauf eines solchen Konzertes könnte etwa so ausgesehen haben: auf eine Overtüre (oder eine Orchestersuite) folgt zunächst ein Konzert mit Bach als Solisten (oder mehrere Arien) und nach einer Pause eine weltliche Kantate.
    Da für diese öffentlichen Konzerte ständig neues Repertoire benötigt wurde, transkribierte Bach seine eigenen Violinkonzerte für Cembalo, wobei der violinistische Urspung in allen sieben Konzerten deutlich durchscheint. So weisen die Cembalo-Transkriptionen der beiden uns über-lieferten Original-Violinkonzerte neben unwesentlichen Änderungen am Solopart lediglich eine zusätzliche, eigenständig Stimme für die linke Hand auf. (Heute versucht man durch Rück-Transkriptionen dieser Konzerte die originale Klangfülle der Violin-Originale wieder herzustellen).
    Trotz des Ideenreichtums seiner Orchestermusik scheint für Bach die Melodie wichtiger gewesen zu sein als das Timbre des einzelnen Instrumentes. A. Schweitzer, der Hohe Priester der Bach-Forschung, drückt es so aus: "...Alle Werke Bachs wurden für ein Idealinstrument komponiert, das die polyphonischen Möglichkeiten der Tasteninstrumente mit der Ausdruckskraft der Streicher verbindet."
    Bachs Konzerte sind gleichermaßen dem leichten wie dem ernsten Genre zuzuordnen, drückt sich ihnen doch ein breites Spektrum an Stimmungen aus - dramatisch, lyrisch, meditativ, mitunter aber auch verspielt und spaßhaft. Diese Musik erheitert das Gemüt, erhebt es aber gleichzeitig und versetzt uns in einen Zustand tiefer Kontemplation.
    Das KONZERT Nr.3, BWV 1054 in D-Dur fasziniert vom ersten Takt an durch seine feierliche Grundstimmung. Der erste Satz ist in da cappo Form konstruiert, wobei der Mittelteil mit seiner Molltonart einen dramatischen Kontrast ins Spiel bringt, der zusammen mit einer gesteigerten Linearität und ständigen Modulationen zum pathetischen Rezitativ des Solos hinleitet. Das Adagio e sempre piano gehört zweifellos zu den bewegendsten Schöpfungen Bachs. Wie bei den anderen langsamen Sätzen der auf dieser CD eingespielten Konzerte, kommt hier das Prinzip des basso ostinato zur Anwendung. Der darüber hinfließende schwermütige Monolog des Solisten weckt Erinnerungen an die dramatischen Arien der Bach’schen Passionen. "Dieses Adagio ist derart schön,” schreibt Claude Debussy, “dass man schier nicht weiß, welche Haltung man einnehmen soll, um es in Würde zu hören; und wenn man das Konzert verläßt, wundert man sich, warum der Himmel nicht blauer geworden ist und das Parthenon sich nicht vor einem erhoben hat". Das Finale ist ein lebhaftes Menuett in der Form eines einfachen Rondos mit vier Couplets. Hier tritt die violinistische Natur des Soloparts besonders deutlich zutage.
    Das Finale des KONZERTES Nr.7, BWV 1058 in G-Moll ist ebenfalls ein Tanz, in diesem Fall eine Gigue. Besonders packend an diesem dramatischen Werk ist das Andante - die sublime Arie erhebt sich über dem Ostinato-Bass, der seinerseits Erinnerungen an das Schicksal weckt.
    Bei der Auseinandersetzung mit dem pianistischsten aller Konzerte - dem KONZERT Nr.1, BWV1052 in D-Moll – gilt es zu bedenken, dass bis zur Zeit Beethovens D-Moll als die Tonart galt, mit der sich eine tiefe und gesteigerte Dramatik am besten ausdrücken ließ. Als Beleg hierfür lassen sich einige D-Moll-Werke Bachs anführen, die sich durch ihren Umfang und ihre emotionale Spannung auszeichen: die Chromatische Fantasie und Fuge für Cembalo, die Chaconne für Violine, und natürlich die in Weimar entstandene Toccata und Fuge für Orgel. Nebenbei bemerkt, soll nach neueren Hypothesen auch das D-Moll Cembalo-Konzert auf einem ebenfalls in Weimar entstandenen Violin-Original fußen - wofür neben seinem Umfang, seiner brillianten Virtuosität und seiner improvisatorischen Freiheit nicht zuletzt die Kühnheit seiner Harmoniesprache sprechen. Hier treten, wenn auch nur andeutungsweise, die ersten Ansätze der klassischen Sonaten-dramaturgie zutage - so etwa im ersten Satz in Form des klassischen "Doppelthema-Motivs" und des tonalen Plans. Bemerkenswert an diesem von leidenschaftlicher Dramatik erfüllten Werk ist der starke Gefühlsausbruch in den Solo-Kadenzen am Ende des ersten und letzten Satzes, und ganz besonders das sich langsam entfaltende Adagio, dessen in der Cantilene zunächst meditative Expressivität in einen ekstatischen Vortrag mündet, um schließlich im klagenden Unisono der Tutti aufzugehen.
    SULAMITA GOLDBERG

    credits
    Artwork: meta records
    Grafik: Miriam Kutschenreiter
    Photo: Margitta Rosales
    Sound engineer: Miroslav Danev
    Editing: Konstantin Dramaliev
    Recorded: 3. – 5. 6. 2003 at Sofia/Bulgaria

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released January 1, 2004

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meta records, Johannes Reichert & Ralf Altrieth GbR is an independent music label, founded in 1999.
The label releases records ranging from experimental jazz via classical music to world music. Founded by two artists, Ralf Altrieth and Johannes Reichert, all projects that they release are projects close to their heart. ... more

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